Piranha 3D – Un film qui tient ses promesses

Comme chaque année, le lac Victoria est envahi par des étudiants venus fêter Springbreak. Jake, le fils de la shérif locale, est embarqué un peu malgré lui par l’équipe de tournage des Wild Wild Girls afin de leur faire repérer les lieux en vue d’un tournage. Ce qu’il ne sait pas, c’est qu’une secousse sismique quelques jours plus tôt a ouvert une faille depuis laquelle s’échappent une bande de piranhas préhistoriques particulièrement voraces. Et autant dire que les petites bêbêtes vont pouvoir s’en donner à cœur joie en allant boulotter de l’étudiant en maillot de bain.

Même l’affiche fait honneur à son genre, en tablant sur l’imagerie des bons vieux films d’horreur

Le deal pour Aja était de réaliser un film con, sexy et gore, et autant dire qu’il remplit le cahier des charges haut la main. Il se permet même d’y inclure un sous texte amusant sur la vanité des étudiants et on sent qu’il prend presque parti pour ses poissons parti bouloté du djeunz. Le pitch tient sur un ticket de métro, le film est tout sauf avare en plans nichons, se permettant même une scène aquatique totalement gratuite présentant deux jolies naïades, et question gore il n’hésite pas non plus à se lâcher, lorgnant du côté de Braindead, avec des morts qui font plus rire qu’autre chose.

Jake (Steven R. McQueen) et sa future copine (Jessica Szohr), les héros un peu niais du film

Ces derniers jours, James Cameron a lancé une polémique en parlant de l’utilisation plutôt lamentable de la 3D dans Piranha. Dans l’absolu il n’a pas tort, car elle n’est pas toujours bien foutue et finalement n’apporte pas grand-chose au film. On a même l’impression que certains plans oublient carrément de faire appel à la profondeur. Et s’il est alléchant de penser voir des boobs en 3D, le résultat à l’écran montre clairement que le film n’a pas été totalement conçu pour une exploitation de cette technologie.

Kelly Brook, un effet spécial à elle toute seule, capable de réveiller tout les mâles et même quelques femelles

Histoire de se faire plaisir, Aja table sur un casting bien sympa : Elisabeth Shue, actrice que j’apprécie mais qui est malheureusement vraiment absente des écrans ces derniers temps, Ving Rhames dans un micro rôle, Eli Roth qui vient faire le couillon le temps d’une séquence de concours de T Shirt mouillé, mais aussi Christopher Lloyd toujours aussi habité qu’à l’époque des Retours Vers le Futur, Jerry O’Connell parfait dans le rôle du connard arrogant, Richard Dreyfuss qui vient faire un clin d’œil aux Dents de la Mer dans l’intro du film, Riley Steele, pornstar qui passe la moitié du film a poil ou presque et surtout Kelly Brook, qui sera quoi qu’il arrive ma babe du week end tellement elle arriverai à réveiller les morts…

Jerry O’Connell dans le rôle du producteur des Wild Wild Girls, faisant mumuse avec la porno star Riley Steele, pendant que Kelly Brook se marre

Aja est quand même fort. Alors que la plupart des films d’horreur tournent en rond en se prenant au sérieux ou en n’allant pas jusqu’au bout de leurs ambitions, il arrive à livrer le meilleur de ses dernières années avec l’histoire la plus con du monde. Alors oui, si vous cherchez un film psychologique qui sonde les méandres de l’esprit humain, ou un film qui fasse vraiment peur ou un concept super original, Piranha ne répondra pas à vos attentes. Par contre si vous cherchez la quintessence du film parfait pour une soirée pizza/potes, ne cherchez plus, vous l’avez trouvé. Il paraît que 12 minutes ont été coupées pour la version salles, et qu’elles sont gores et sexy. Vivement le DVD !

Mafia 2 – Intense, agréable, mais trop court

Vito Scaletta, petite frappe d’Empire Bay, s’engage dans l’armée pendant la seconde guerre mondiale, afin d’éviter d’aller en tôle. Après la guerre, il retourne au foyer et retrouve une mère endettée et une sœur un peu perdue. Alors Vito va se mettre à bosser avec Joe, son copain de toujours, pour la mafia. D’abord de petits boulots sans importance, et puis petit à petit il va gravir les échelons et se faire un nom. Et c’est son histoire, étalée sur une dizaine d’années, celle de ses débuts, de son ascension et de sa chute que raconte Mafia 2.

Les trois personnages principaux de Mafia 2 : Joe, Vito, le héros qu’on incarne, et Henry

Impossible de ne pas comparer ce jeu avec GTA, et plus particulier avec Vice City et son final à la Scarface ou notre héros affrontait des ordres d’envahisseurs dans sa superbe villa. Mais Mafia 2 lorgne moins du côté de De Palma que de celui de Coppola et surtout de Scorcese. Sous ses apparences de villes inventées, Empire Bay est une décalque miniature de New York, avec ses buildings, sa rivière, ses quartiers italiens ou chinois, ses bars et ses truands. Et le jeu se permet une réalisation absolument impeccable. Les personnages sont expressifs, attachants et ont de la profondeur, les cinématiques sont longues, nombreuses et efficaces, l’évolution sur une période large de temps très bien gérée… bref de ce côté, c’est clairement une superproduction.

Vito, poursuivi par les flics, un instant récurrent dans le jeu, car ils contrôlent même que l’on ne fait pas d’excès de vitesse…

Pareil pour les missions qui, si elles ont un côté répétitif dans leur fonctionnement (téléphone/aller chercher joe/faire la mission/ramener joe) arrivent à être originales, évitent la répétition et enchaînent les retournements de situations et les surprises sans pour autant tomber dans la surenchère débile. Et les cinématiques en rajoutent encore une couche en rendant le tout super cohérent. Seul soucis : le jeu se boucle en 9 ou 10 heures. Ce qui fait peu. Très peu. Surtout en comparaison d’un GTA.

Une scène d’exécution, présente dans la démo du jeu. C’est aussi ca, Mafia 2

Autre soucis : sorti des missions, il n’y a vraiment pas grand-chose à faire dans la ville. Alors certes, il y a un système de Playboy à collectionner, permettant d’afficher une jolie galerie de photos de playmate de l’époque, ou encore des affiches Wanted (je n’en ai pas trouvé une seule, mais je n’ai pas cherché non plus)… mais ca fait peu. Très peu. Pas de mini jeu ou d’activité débile pour meubler. En même temps, ca n’a jamais été non plus autre chose qu’un gadget dans GTA. Mais j’aurai apprécié parfois, entre deux missions d’avoir une petite connerie de ce genre à faire.

Un des très nombreux gunfight du jeu, avec son système de couverture et de régénération de la vie

Le jeu est donc court et manque d’objectifs secondaires, mais les 9h que j’ai passé dessus pour le finir sont passées comme une lettre à la poste. Difficulté bien dosée en mode « hard » (à part une ou deux mission un peu difficiles, le reste passe tout seul), ce fut un vrai plaisir de passer de mission en mission, et ce sans jamais avoir le temps de s’embêter. Et l’ambiance est incomparable et plus prenante que celle d’un GTA. Mais une fois arrivé à la fin très scorcesienne du jeu… je n’ai pu m’empêcher de me dire : « Ha bon, c’est déjà fini ? C’est tout ? ». En même temps il paraît que c’est l’apanage des bons jeux de faire ce type d’effet…

Entourage saison 2 à 6 – Plus ca avance, meilleur c’est

On avait laissé Vincent Chase sur la préparation du tournage de Queen’s Boulevard. Le film va cartonner, ce qui va lui permettre de tourner avec James Cameron dans Aquaman, puis de retourner avec Billy Walsh dans une adaptation de la vie de Pablo Escobar, de partir à Cannes, de connaître un gros trou dans sa carrière puis de bosser avec Scorcese. Pendant ce temps, Eric joue à « je t’aime moi non plus » avec Sloan et veut lancer son agence, Drama se faite une petite place dans une série télé, Turtle essaie de se faire un nom dans l’ombre de ses copains, Ari maltraite Lloyd son nouvel assistant super gay, et ce dernier devient un personnage récurrent et indispensable pour faire contrepoids avec l’agent.

The Boys are back in town !

Est-ce parce que j’ai une affinité particulière avec le milieu dont parle la série ou est-ce que parce que celle-ci est diablement bien écrite et avec des personnages attachants que je suis devenu accroc ? Bonne question. Sûrement un peu des deux. Mais Entourage a un succès qui ne se dégonfle pas, bien au contraire. Le pire étant qu’après m’être enfilé six saisons en peu de temps, c’est comme si les personnages avaient acquis une certaine existence, et le fait d’être privé de la suite des aventures créait un vide. Etrange.

Lloyd (Rex Lee, aussi gay en vrai que dans la série), le personnage qui permet à celui d’Ari de prendre toute sa mesure, apparaissant dans la saison 2

Si la première saison m’avait laissé sur ma faim, les acteurs arrivent vraiment à prendre leurs marques dans la suivante. Ainsi que les scénaristes qui mélangent de plus en plus fiction et réalité, invitant des guest stars de plus en plus prestigieuses, dont certaines dans des rôles franchement récurrents. Et surtout, le grand chambardement arrive avec le personnage de Lloyd qui permet enfin à Jeremy Piven de donner toute sa puissance au personnage d’Ari. Leur relation patron/employé, maitre/esclave, hetero/homo pourrait tomber dans la caricature facile. Au contraire, avec le personnage d’Ari ouvertement incorrect, c’est ce qui donne tout son sel à la série.

Johnny Drama (Kevin Dillon), plus looser magnifique que jamais

Pareil pour le personnage de Johnny Drama, cristallisant les incertitudes, les envies et les creux des carrières de beaucoup d’acteurs ou prétendus tels. S’il le personnage est parfois caricatural dans son côté grande gueule écorchée vif, il est aussi celui qui bénéficie de la plus grande attention des scénaristes, le mettant systématiquement dans des situations compliquées, des plans foireux et en faisant de lui l’éternel faire-valoir dont la carrière ne décollera jamais tout à fait. Pas étonnant que beaucoup se retrouvent en lui. Il devient vraiment le ressort comique de la série.

Ari Gold(Jeremy Piven), l’un des meilleurs personnages de série jamais écrit

Et puis forcément, dur de ne pas parler de Jeremy Piven qui bien qu’étant un second rôle, à savoir l’agent Ari Goldman, tire à lui tout seul la série vers le haut. D’ailleurs il a reçu trois Emmy Award et un Golden Globe pour son interprétation dans la série. Ce n’est pas un personnage parmi d’autre, c’est LE personnage par excellence, extrêmement bien écrit, et avec un interprète qui colle à merveille avec son entourage, voguant du registre ultra agressif à un autre beaucoup plus sensible selon les saisons et les situations. Si Piven a eu le temps d’apparaître dans quelques films, dont Mi$e à Prix, j’ai hâte de voir ce qu’il peut faire dans un autre grand rôle de composition… Si vous ne connaissez pas la série et que comme moi vous vous intéressez aux coulisses du cinéma, précipitez vous sur la série. C’est une tuerie dont la qualité ne cesse d’augmenter au fil du temps.

ux frontières de l’aube – Un film de vampires qui ne ressemble à aucun autre

Caleb, un fermier, fait un soir la rencontre d’une jolie fille prénommée Mae. A force d’insistance elle finit par craquer et accepte de l’embrasser… sauf qu’elle va en profiter pour le mordre. Désormais sensible à la lumière du jour, Caleb va rejoindre une petite communauté de marginaux vivant uniquement la nuit, ultra violents et voulant à tout prix qu’il se mette à chasser pour pouvoir se nourrir. Mais Caleb ne l’entend pas de cette oreille, d’autant plus que le petit clan croise la route de son père et de sa sœur partis à sa recherche.

Une affiche un peu typique de l’époque (1987) et qui aujourd’hui fait vraiment datée…

Bien avant Une Nuit en Enfer ou le Vampires de Carpenter, Bigelow tente un croisement étrange entre films de vampires et western. Chevaux, éperons, bar qui s’apparente à un saloon, sans y faire directement référence, le film ne cesse d’emprunter aux codes du genre. Le tout étant sepoudré d’un refus absolu d’utiliser le mot « vampire » dans les dialogues. En résulte un film étrange, fascinant, dont les images boostées par la musique de Tangerine Dream lui donnent un côté trip sous acide qui pour une fois ne verse jamais dans l’outrance ou le caricatural.

Le clan des vampires (Lance Hensiksen, Jenette Goldstein et Bill Paxton). Manque juste l’enfant vampire

Bien avant de devenir le héros de Profit ou un personnage clé de Heroes, Adrian Pasdar a eu une carrière… et le premier rôle de ce film. Il s’en sort d’ailleurs bien, arrivant même à voler la vedette à Lance Henriksen et Bill Paxton qui envoient quand même du lourd. Et malgré l’étroitesse de son budget, le film arrive à proposer un univers clos qui fonctionne. Se passant à 90% la nuit dans des endroits exigus ou au contraire dans de grands espaces, Aux Frontières de l’Aube ne ressemble pas a beaucoup d’autres films. Moi qui suis allergique d’habitude aux films de « trip », j’avoue que j’ai presque trouvé l’intrigue autour de Caleb en trop, les errances de ces noctambules étant suffisantes à mes yeux pour rendre le film intéressant.

Une scène qui doit beaucoup aux codes du Western

C’est d’ailleurs son statut de film différent qui donne aux Frontières de l’Aube une certaine aura et fait qu’aujourd’hui encore, des articles le citent en exemple pour son côté novateur sur un sujet ultra codifié et revu. Le film se permet même de contredire une des lois fondamentale du vampirisme en faisant guérir certains protagonistes via une méthode toute simple et non surnaturelle. Encore une fois Katryn Bigelow ne peut rien faire comme tout le monde, arrivant même à délivrer une réalisation soignée malgré un budget étriqué.

Des retrouvailles violentes avec la famille de Caleb

Si vous en avez marre des vampires en cape habitant des demeures gothiques, et même s’il a quand même vieilli, essayez de donner une chance aux Frontières de l’Aube. Sans que l’on sache exactement sur quoi l’alchimie repose, Bigelow livre un film intéressant et différent et qui représente la quintessence de ce que devraient tenter systématiquement de faire les réalisateurs : raconter des histoires connues et balisées de manière originale et différente, en prenant des risques.

Captifs – Et un film de plus sur le même sujet, un…

Carole et deux autres volontaires viennent de finir leur action humanitaire dans un hôpital des Balkans. Prenant la route afin de rentrer en France, ils sont obligés de faire un détour inattendu. Sur un petit chemin, ils sont soudain attaqués par deux hommes cagoulés qui les forcent à entrer dans une cage. Enfermés dans une cave avec d’autres prisonniers ne parlant pas leur langue, ils ne vont pas tarder à comprendre pourquoi ils sont là, et pourquoi on fait tout pour les nourrir et les garder en bonne santé…

Même le slogan de l’affiche est too much…

Allez, rien qu’à la lecture de ce pitch, je parie que la moitié d’entre vous aura déjà compris de quoi il s’agit. Autant dire que le côté mystérieux de la situation est grillé à des kilomètres. Et ce n’est pas la suite du déroulement du film qui va remonter la pente, suivant une trame archi classique qui fait que comme spectateur, on a toujours trois ou quatre coups d’avance sur ce qui va se passer. La trame n’est pas classique, elle est ultra classique, ne cherchant absolument jamais à s’éloigner, ne serait-ce qu’un peu d’un style codifié à l’extrême ou tout a déjà été fait.

Zoe Felix dans sa cellule, les 2/3 tiers du film s’y passent… C’est çà les films à petit budget

Le pire est qu’en posant son histoire dans les Balkans, le film aurai pu tenter de jouer sur « l’exotisme » local pour apporter un peu de vie au film. Là, cette intro sert tout juste de gimmick. Le film pourrait se passer dans le Limousin ou à Montargis que ca ne changerai rien. A part que les méchants parlent étranger, et qu’ils roulent vachement des yeux pour montrer qu’ils sont très méchants. Et je n’ose même pas parler de l’intro du film, avec une attaque canine dont la facilité nous fait forcément comprendre que l’héroïne devra faire face à des chiens et qu’elle surmontera sa peur dans l’heure qui suit. Ce qui en fait une scène ultra artificielle et qui prête à sourire.

Eric Savin, une bonne gueule comme je les aime, mais malheureusement sous exploité

Maintenant que j’ai bien craché, parlons quand même des points positifs, car il y en a. Techniquement le film est plutôt réussi. Les images sont plutôt belles, même si quelques plans sont bizarrement très laids. Le sound design est pas trop mal troussé, même s’il manque parfois de sobriété, avec entre autres une jolie scène à base de battements de cœur très bien exploitée. Par contre la musique est un peu lourdingue car elle en fait des caisses même lorsqu’il ne se passe que des choses très triviales à l’écran.

Un final dans le maïs, là aussi vu et revu

Question casting, ce n’est pas catastrophique non plus, Zoe Felix se révélant plutôt crédible en héroïne, et Arie Elmaleh, d’habitude à baffer, jouant de manière agréable. Le problème reste que leurs personnages sont d’une platitude navrante et qu’on s’ennuie franchement en les regardant se débattre pour tenter de survivre. Alors désolé Yann, c’est bien beau de vouloir faire un survival, mais encore faut il arriver à y insérer des éléments intéressants. Car là, ton Captifs est chiant à regarder, prévisible et aussi vite vu, aussi vite oublié.

Salt – Même pendant la guerre froide ils faisaient des scénarios moins nawak

Evelyn Salt, agente de la CIA, se fait un jour accuser par un transfuge d’être une espionne russe dormante, formée pour assassiner le président. Ne pouvant prouver que les allégations sont fausses, Salt est obligée de s’échapper. Son mari ayant disparu, elle va se mettre à sa recherche et tâcher de prouver son innocence. A moins qu’elle ne soit vraiment un agent russe. Ou pas. Mais bon, comme on est dans un film américain, on sait très bien qu’en fait non, et que le vrai méchant de l’histoire est prévisible dès les cinq premières minutes…

Regardez bien son visage sur l’affiche. Tellement photoshopé qu’on la reconnaît à peine

Quand j’avais douze ou treize ans, j’ai eu à un moment l’envie d’écrire des livres. J’ai donc essayé de commencer à écrire plusieurs histoires, mais bien entendu, aucune n’est arrivée à dépasser la dizaine de pages. Quand je vois le scénario d’un film comme Salt, j’ai l’impression qu’il correspond parfaitement à ce que j’aurai pu écrire à l’époque. Personnages stéréotypés, incohérences hallucinantes, retournement de situation tellement moisis qu’on les voit venir à des kilomètres et enchainement de situations en pilotage automatique. Bref le genre de film qui, sans la présence d’une star au générique, aurait eu une sortie en Direct to DVD, car il ne mérite pas mieux.

Ceci est une femme d’action avec une perruque couleur pisse. C’est trop la classe

Ce n’est pas que Salt soit incohérent, non… C’est pire. On dirait que les scénaristes ont essayé d’utiliser les plus vieilles ficelles du monde et n’ont jamais tenté de se relire pour voir s’ils ne se contredisaient pas en permanence. D’ailleurs le fait de se demander la « vraie » identité de Salt n’arrive jamais tout à fait, tellement on se doute que l’anorexique de service est une gentille. Bref, question crédibilité on repassera. Et c’est pareil pour toutes les scènes d’action, super mal découpées et filmées où Angelina tente de faire croire qu’elle sait se battre. Mais n’est pas Matt Damon / Jason Bourne qui veut. Et on a plus l’impression qu’elle va se fouler le poignet quand elle met un pain qu’autre chose. Et je ne parle même pas de son air crevé.

Liev Schreiber, l’homme par qui la nanaritude arrive

Il faut dire qu’elle n’est pas aidée. Même si on a le droit au bon Chiwetel Ejiofor au casting, on a également surtout le droit à Liev Schreiber, un peu l’équivalent chez nous d’une Virginie Ledoyen question talent d’acteur et capacité à faire passer des émotions. A tel point qu’il arrive presque à lui tout seul à nanariser le film. Très très fort ce mec. Et autant dire qu’entre les scènes d’action plutôt moyennes et sa présence, on a tout du chef d’œuvre absolu du film d’espionnage. Ou pas.

Salut. Je prend une pose vachement cool, parce que je vais faire semblant d’assassiner un président dans une cathédrale en passant par des souterrains super modernes reliés au métro et sécurisés uniquement par deux personnes, après que j’en ai récupéré les plans sur Internet. Ouaip. Suis vraiment trop forte…

Ca fait un petit bout de temps que je trouve qu’Angelina baisse. Histoire de me vanter, j’avoue avoir repéré la minette à l’époque d’un mauvais film, intitulé Playing God avec David Duchovny. Et je lui prédisais une belle carrière. Je ne m’étais pas trompé. Et là, malheureusement, je lui prédis une chute lente et douloureuse. Car autant elle était au paroxysme de sa sexytude et de ses aptitudes physiques lors du mauvais Tomb Raider, autant depuis elle laisse dubitatif. Elle a beau être une des rares actrices à pouvoir endosser des rôles physiques prévus pour les hommes, il faudrait avant tout qu’un jour on la fasse enfin jouer dans un vrai bon film d’action.

Elle à l’air si gentille… mais ne vous fiez pas aux apparences

Je suis ennuyé avec Robo Geisha. La bande annonce était vraiment sympa, le concept bien débile était assuré d’envoyer du lourd… et pourtant, quelque chose ne colle pas. Alors certes, on a un plein d’armes débiles, comme des shurikens sortant des fesses ou des katanas sortant des aisselles, la caméra virevolte afin de cacher la misère du budget, la fin est totalement wtf avec robo geisha se transformant en tank pour affronter une temple devenu un robot géant… mais bizarrement la sauce ne prend pas.

Les fameuses geishas à l’entrainement

Pourtant, je suis un habitué des films crétins japonais. On peut même dire que j’adore çà. Mais il manque clairement quelque chose à ce film, comme s’il n’osait pas aller tout à fait au bout de son délire. La grande force de ce cinéma fauché c’est d’avoir des idées totalement barrées et de relancer sans cesse la machine en allant toujours plus loin dans le nawak outré. Mais là, sorti des innombrables transformations et armes de l’héroïne, il n’y a pas grand-chose à se mettre sous la dent. Et ca se ressent.

Une victime du fameux lance shuriken planqué dans les fesses

Alors certes, The Machine Girl, à titre de comparaison, était lui aussi peu inventif sorti de son pitch initial. Mais il était basé sur un modèle classique de film de baston et de revanche, et n’avais pas besoin de plus. Alors qu’ici, il manque de la folie, de l’inventivité… ce qui fait que la bande-annonce, en condensant quasiment tous les délires du film est finalement bien plus agréable que le film lui-même qui traîne en longueur.

Yoshie (Aya Kiguchi), alias Robo Geisha

Pour quiconque découvrant cette tranche du cinéma nippon avec ce film, Robo Geisha devrait quand même bien passer. Ce n’est pas tous les jours qu’on voit un affrontement entre trois femmes ayant des lames de katana leur sortant des fesses, avant de s’attaquer avec du lait maternel corrosif, tout en étant vétus de bikinis et de masques phalliques. Mais pour les habitués, c’est clairement une déception, d’autant plus grande que Iguchi est loin d’être dépourvu de talent. Il faudrait juste qu’il se bouge un peu plus et arrête de freiner ses envolées délirantes. Car s’il y a bien un truc qu’on aime dans ce cinéma, c’est ca. Et aussi le gore et les hectolitres de sang versés à chaque blessure.

Cadeau bonus : la bande-annonce

24 saison 8 – Nom didiou, quel final !

Jack s’est définitivement retiré du service sur le terrain. Alors qu’il accompagne sa fille Kim à l’aéroport pour un déménagement, la CTU fait appel à lui pour leur filer un coup de main. En effet, c’est un jour historique car un accord de paix va enfin être signé entre les USA, la Russie et le Kamistan, république voulant se doter de l’arme nucléaire. Mais des dissidents souhaitent faire capoter le traité en assassinant le président du Kamistan. Jack va donc fait son possible pour les empêcher de parvenir à leurs fins… Jusqu’à ce qu’un bouleversement change complètement la donne et transforme Jack en machine à tuer impitoyable et que tout le monde veut coincer.

Un visuel bien bourrin, présentant le déplacement de la série à New York, avec un super jeu de mot. Jack Bauer, Jacked = mot inventé mais voulant dire “pris en otage", ou “volé”

On le sait, 24 s’était essoufflé ces dernières saisons. Et le début de la saison 8 semble bien parti pour renouveler la donne. Et puis soudain, vers la moitié, les scénaristes changent leur fusil d’épaule, et la série devient vraiment hardcore, avec un Jack Bauer seul contre tous et tuant absolument tout ceux qui croisent sa route, dans une explosion de violence jubilatoire. Et malgré le fait que la FOX soit ultra conservatrice, ce n’est même pas une apologie de la justice personnelle, mais l’évolution d’un personnage qui en perdant ses repères se transforme en bête indomptable que tous veulent euthanasier.

Katee “Starbuck” Sackhoff et Freddy Prinze Junior, deux petits nouveaux de la saison 8

Seul petit souci, 24 n’a plus grand-chose à voir avec son concept initial. Et pourtant, au début de chaque épisode, on a bien le droit au « Events occur in real time ». Sauf que le temps réel, ca fait bien longtemps qu’il est aux oubliettes. Jack ne mange jamais, ne dors jamais, mais ca, ce n’est pas nouveau. Mais maintenant, il se téléporte toujours en moins de 5 minutes n’importe où dans New York. Les saisons précédentes le faisaient déjà un peu, comme le fait de n’utiliser le split screen que comme un gimmick et non plus un outil de mise en scène… En fait, quelque part, 24 n’est plus vraiment 24 puisque son concept a été oublié au détriment de ses personnages.

Anil “Slumdog Millionnaire” Kapoor, président du Kamistan, Cherry Jones et Chris Diamantopoulos

Mais en même temps, cette saison 8, dans sa deuxième partie, livre un final vraiment anthologique, comme peu de séries ont su le faire. Et si au début on se fout un peu de ce qui peut arriver à Jack, lorsque s’écoule la dernière seconde de la série, on regrette qu’elle s’arrête là. On aimerait en voir plus. Vœu qui sera peut être exaucé avec la rumeur de plus en plus insistante sur l’arrivée d’un film. Et puis Jack devient de plus en plus un One Man Army, qui fait trembler même les plus puissants. C’est à se demander d’ailleurs pourquoi il est encore en vie, alors que tout le monde le connaît et veut sa peau.

Kieffer Sutherland, toujours autant en forme

La saison 8 commence donc mal, mais prend tellement d’ampleur dans sa deuxième partie qu’elle conclue en beauté les aventures de Jack Bauer. Ces douze derniers épisodes concentrent en eux seul ce qui fait le sel du personnage et le rend si attachant et dangereux en même temps. Si jamais vous aviez un peu décroché, je vous encourage à regarder la cinquième saison puis celle-ci. Et puis on y a même le droit à une petite apparition de Michael Madsen. Maintenant reste à savoir ce que va bien pouvoir faire Kieffer Sutherland, avec ce rôle qui risque de lui coller longtemps aux basques…

Expendables – Merci Sylvester

Une bande de mercenaires se fait contacter par un ancien agent de la CIA, afin de déboulonner un dictateur ayant pris possession d’une petite île et terrorisant la population locale. Hésitant à accepter le job, Barney, le chef de la petite troupe, finit par céder en rencontrant la fille du dictateur, tentant coûte que coûte de résister à l’oppression. Il ne lui reste plus qu’à convaincre sa bande de gros bras d’aller sur place et de tout faire tout péter. Mais il se pourrait bien qu’un ancien agent de la CIA travaille en sous main sur place, et qu’un homme de l’équipe de Barney décide soudain de changer de camp…

Si je pouvais trouver le crétin du marketing qui a décidé de rajouter “:Unité Spéciale” dans le titre français, je lui casserai bien la tête. Non mais quel abruti…

Ne cherchez pas plus loin que son concept. Expendables est un film choral reposant sur une seule chose : son casting. Le but est simple : rassembler un maximum de figures connues des actionners des 80/90s et y ajouter quelques figures plus récentes comme Jason Statham, afin de livrer un film à l’ancienne, avec des gunfights, des explosions et beaucoup de cascades. La formule est simple et efficace. Le résultat aussi. Stallone essaie quand même d’éviter le film totalement bourrin et décérébré en ajoutant une touche bienvenue de second degré, et en arrivant à rester intéressant en dehors des séquences d’action.

Alors là, c’est Rourke qui tatoue Stallone avant qu’il aille casser des têtes

Et quel casting : Stallone et Statham, donc, mais aussi Jet Li, Mickey Rourke, Dolph Lundgren, Eric Roberts, Gary Danniels, Terry Crews, Randy Couture, Steve Austin, David Zayas une apparition de Bruce Willis et Arnold Schwarzenegger et la présence de Charisma « Buffy » Carpenter. Sylvester a du essuyer quelques refus qui lui ont empêché d’avoir vraiment un casting totalement exhaustif des stars de l’époque, mais comme il paraît que le film va avoir une suite, on ose espérer que Van Damme, Segall, Russel, Norris, Snipes, Trejo et les autres seront cette fois ci de la partie.

Là c’est Eric Roberts, le grand méchant, qui va bientôt se faire casser la tête car il a pris Giselle Itié en otage. En même temps il a bon goût.

Côté action, ca pète, ca cogne, ca flingue, et nos acteurs ont beau être des papys (Statham mis à part), ils restent quand même vachement crédibles une arme à la main. Et puis c’est aussi la joie de trouver des plaisirs coupables, via des bastons Li VS Lundgren ou Austin VS Couture. Seul petite ombre au tableau, les acteurs n’ayant plus tout à fait la forme de leurs trente ans, la réalisation abuse un peu trop de la shaky cam, rendant parfois les bastons peu lisibles pour cacher la misère. Dommage. On aurait bien aimé du plan séquence d’anthologie. Et également que Gary Daniels soit un peu plus exploité.

La bande des gentils casseurs de tête. Du très lourd…

En misant sur la fibre nostalgique, Stallone a tout bon. C’est amusant, parce que depuis quelques mois je suis à peu près persuadé qu’on va avoir le droit à un retour du héros invincible des années Reagan. En tout cas, vu ses scores au box office, Expendables prouve que ses stars bénéficient encore d’une incroyable côte d’amour aux yeux du public, et que ce dernier est partant pour profiter encore un peu d’eux, tant que leur âge le leur permet. Expendables, c’est donc con, mais pas trop, et c’est surtout très bon.